CHAU 2009 III

Finalmente, dejamos un año atrás, por completo. Ahora nos resta mirar hacia el futuro inminente, este 2010. Antes, los dejo con la tercera parte de este pequeño especial llamado "Chau 2009" donde recorrimos lo mejor del año que pasó. Y en esta última entrega, IMFREAKALOT hace hincapié en la producción nacional, tanto filmográfica como musical. Aquí están, la mejor película y el mejor disco del 2009 con sus respectivos análisis.
A partir de febrero, seguimos con lo que dejamos a medio hacer a finales del año pasado. Continuaremos con los "Mejores discos del rock argentino", llegando ya a los 10 mejores discos. Así también las dos últimas entregas de "Cine adolescente". Todo esto y más en IMFREAKALOT. Próximamente.

Un abrazo grande
IMFREAKALOT.

"El secreto de sus ojos" - JUAN JOSÉ CAMPANELLA

TITULO ORIGINAL: El secreto de sus ojos
DIRECCIÓN: Juan José Campanella
GUIÓN: Juan José Campanella, Eduardo Sacheri (Novela: "La pregunta de sus ojos" por Eduardo Sacheri)
REPARTO: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella, Pablo Rago.
GÉNERO: Drama
AÑO: 2009
PAÍS: Argentina
DURACIÓN: 153 minutos.


Análisis


Es necesario que exista esta película: para la madurez del cine argentino, de los directores y de un público que permanece como víctima de un sistema deliberado de distribución cinematográfica, sobretodo, por el oligopolio que generan cuantiosas sumas de dinero a cambio de la proyección de películas de dudosa calidad. Y, en busca de respuestas certeras con respecto a la identidad filmográfica, por fin el cine argentino parece tomar un rumbo definido desde (Leopoldo) Torre Nilsson y (Leonardo) Favio, últimos bastiones de la utopía del cine nacional.
Juan José Campanella, promotor de tal empresa, aparato económico mediante, se suma a esta lista de privilegiados gracias a un perfeccionismo estético, un descreimiento de los relatos tácitos y una narrativa (acierto de Eduardo Sacheri) conmovedora. Aquí el punto en común con el anterior Campanella, en lo melancólicamente conmovedor de sus obras. Con una impronta preñada de reliquias de su infancia, cuadros de su juventud, inquietudes del hombre por hacer. A sus películas las baña el recuerdo, la evocación constante: en sus cuadros, en los colores de sus personajes, en el registro, en el clima.
Pero luego la inflexión. Con “El secreto de sus ojos” redobla la apuesta. No solo tiñe de sepia el material, no solo el recuerdo se entremezcla con el pasado fundiendo la duda, la melancolía, el rencor, el amor en premisa fundamental; ahora, se dedica a contar una historia y por tanto, llevarla al extremo de sus posibilidades, con los matices necesarios de misterio, racionalidad y existencialismo. Este último, recurrente en cada una de sus obras.
Allí se desprende el costado caótico (y por tanto, admirable) del relato. La bifurcación de estilos narrativos y la omnipresencia autoral para llevar a cabo tantos conflictos como desenlaces. Enmarañados en la búsqueda policial, al estilo film-noir, nos olvidamos del estilo melancólico, del romance trunco, de las fallas existenciales de nuestro protagonista: Benjamín. Nos perdemos en el infierno de una época en conflicto, como si fuéramos a encontrar respuestas del sistema que por décadas nos envolvió (y nos envuelve) y “protege”. Pero en la capa más fina, en la pausa de una lágrima siempre latente en el film, se esconde la verdadera esencia, algo que no estamos dispuestos a entender pero si a aceptar: la vida. Los obstáculos y las retenciones que nos privan de la libertad, de la elección sin compromisos, de las taras impuestas por la sociedad. Que por fin, Benjamín, tras transcurrir años de soledad, de incógnitas, finalmente se decide a dar un paso hacia delante. A reconstruir un pasado para mejorar su presente.

Trailer de "El secreto de sus ojos"

"Ponchototal" - PONCHO!


Lanzado totalmente a refrescar la imagen de la electrónica local, DJ Zucker – un eterno roquero tras las bandejas – le da vida a un proyecto ambicioso y por demás meritorio que coloca a la escena bailable de discotecas un paso más adelante. La lógica parece desglosar demasiadas incógnitas con respecto al producto final. Inclusive, se puede pasar por alto que, el destino final de aquellas canciones que se reproducen en “Ponchototal” es inexorablemente la pista de baile.
Sin embargo, a través de la fusión de todos los elementos e intérpretes, tan raros como inexactos, tan geniales como ambiguos, el disco parece evitar cualquier lugar común, enfrentando las sólidas bases de la electrónica con sus archirivales, con sus siempre cuestionadas bandas de enfrente. Y en ese juego propuesto por Javier Zucker, el sonido adquiere nuevos matices: por momentos, parece salir a dar una vuelta por los recovecos de la elegancia roquera (con Spinetta a la cabeza), por otros, a fundirse con el electroshock musical propuesto por la aplanadora del rock (D.I.S.C.O. con Divididos) mezclándose con la cantante histérica de los !!! (o Chk Chk Chk), Shannon Funchess. Y le da ribetes de actualidad refrescante con Maxi Trusso, el DJ Justin Robertson y Banda de Turistas, para recordarnos que son las reglas de juego de la contemporaneidad electrónica. A partir de esas uniones, se desprenden los hits con destino internacional (“Please Me”, “Lend me the Light” y “Kansas”).
El resultado está al alcance de nuestro oído. Cuando se sale de una línea general, cuando se pone empeño y sobretodo, creatividad y autodidáctica, se pueden superar las barreras del conformismo musical. Javier Zucker en este nuevo experimento Poncho nos da una idea general de esto.

Les dejo el hit de la temporada estival, "Please me" de Poncho con Maxi Trusso.

ESCENA DE LA SEMANA. "Mundo Alas" - Giéco, Molnar y Schnidel

La fuerza y la lucha para ganarle a la adversidad, a los problemas verdaderos que se anteponen a la vida en esta odisea comandada por el gran León Giéco, que, reuniendo a varios artistas con capacidades diferentes, le mostró al mundo que es posible ganarle a la adversidad con el arma más sagrada y benevolente: el arte. No tuve oportunidad de ver la película, pero este, el documental, emitido por la señal de cable Encuentro, rescata lo mejor y lo más emotivo de este periplo que llevó adelante León. Recomendable.

TEMA DE LA SEMANA. "El rogadero" - Banda de turistas

Una de las buenas apariciones del 2009, Banda de turistas, expresa la novedad de la música argentina. Una suerte de folk psicodélico mezclado con las nuevas tendencias de la música electrónica. El combo resulta disparatado, pero la elocuente muestra de este gran experimento es su último disco, "El regreso".

OBJECT OF BLIND ADORATION: CATHERINE KEENER


Ni los escenarios lúgubres de los perdidos, ni las luminarias perfectas (Angel Face mediante) de las alfombras rojas. Ni la propaganda, ni las atmósferas pesadas acabaron con su dignidad, con la laboriosa actitud actoral, refutando los prestigios del bienhacer catedrático, ni las urgencias de directores innatos u organigramadores. Allí, alojada en el despojo de la cámara y las marquesinas, en el último lugar de las miradas enpochocladas y ecuánimes del desarrollo filmográfico, la cara inerme de Catherine comenzó a despachar elogios y misterios alrededor del mundo; y de sus cintas enigmáticas, plebeyas y poliformes.
¿Quién es esa actriz? Preguntaba semejantemente el público que me acompañaba, a uno de los miles de estrenos que asistí a: “Being John Malcovich”. Ppp… ddd… rrr… sss… mmm… Mmmm… Maccc… Maxxxi… Maxine: encarnada inigualablemente por una compañera de ruta de los directores de armas tomar, de pocas preguntas y mucha acción en cámara. La chica de los subterráneos, de las miradas atípicas, de los complejos inexplicables y absurdos. Catherine Keener. Con sus caras y sus ojos, con sus atrocidades más feroces y sus muecas descollantes. Con el dejo de un teatro impostergable en su rostro pálido, es, más allá de las recaudaciones cinematográficas, el rostro refrescante de la historia: el oasis, el placer, el éxodo del conflicto poco antes de la apoteosis.
Su recorrido – entre luchas con películas fútiles y eficaces en la marquesina – resultó beneficiado con el producto Kaufman-Jonze, en los dosmiles. Cuando su cara se apagaba en los canales de cables, entre películas de 2 am y resultados inútiles. El salto: Maxine. Luego, Sean Penn y sus películas demagógicas y eficaces. Una hippie refugiada del sistema esclavizante yanqui, de buenos consejos y servicios en “Into the Wild”, previo a convertirse en la cara inmediata de las comedias de Judd Apatow y sus secuaces drogadictos y sexuales.
Luego, mientras algunas niñerías interpretativas se presentaban en su camino, el destino de Keener se presentaba idéntico y claro (director mediante): - Vos serás la cara de mis dramas, de mis tragedias y comedias. De los efectos especiales y bobadas. Cathy, ya cuarentona y con dramas sobre su espalda, comenzó a forjar su historia, su carrera, su vientre dramático, de poemas cinemáticos que la reproducen en pantalla como una de las actrices de esta época, o, la que mejor comprende nuestras historias, nuestros deseos de cine en puro equilibrio con la vida.
Ella, rostro simple y rasgado en los años. Muestra nuestra femenina mirada del mundo en llamas, machista y proclamado apoteótico. Para demostrar su cine (su cara y actuación) esquizofrénico, conforme nuestra contemporánea expresión de desesperado arte.

Catherine Keener en "Being John Malkovich"


"Synecdoche New York"



Haciendo su papel de madre en la nueva película de Spike Jonze, "Where the Wild Things Are"

ESCENA DE LA SEMANA. "Taxi Driver" - MARTIN SCORSESE

En consecuencia con el Globo de Oro a la trayectoria, el gran director neoyorquino, tiene su merecido homenaje en IMFREAKALOT. Y en esta sección, LA escena de Taxi Driver: "Are you talking to me?". Una simple muestra de su genialidad, acentuada por la improvisación de De Niro. Esto es historia del cine.

TEMA DE LA SEMANA. "Cabe-C-O" - RESIDENTE CALLE 13

Con el ritmo y la potencia de la banda hiphopera/reggaetonera boricua, arrancamos la semana. Avalancha de palabras tiradas al azar, bravuconeando, lanzando al aire un sensual y primitivo grito con su tema: "Cabe-c-o".
Buena Semana y a bailar un rato, para relajar el cerebro. Por favor.

CHAU 2009 II

En esta segunda entrega, el podio de los mejores discos, para IMFREAKALOT, de este año que pasó. Un año con grandes sorpresas musicales, en tanto electrónica, rock y demás raíces inconjugables, como verdaderos ocasos artísticos: tal es el caso de Green Day o Shakira. Año de auge reggeatonero y muertes extrañas (algunas tristes e irreparables).
Aquí están, estos son, los tres mejores discos del año.
En la próxima y última entrega, la producción argentina en tanto música y cine.

IMFREAKALOT

1. "Horehound" - THE DEAD WEATHER


Algo sabe Jack White de reinventarse, de abrir horizontes a su música, de no encajonarse ni encajonar a nadie dentro de un mundo reiterativo y superficial. Reencontrado con su viejo amor, la batería, comanda este nuevo experimento de rock y blues para hacerle frente a la ampulosa tecnología e ingeniería de estos tiempos, devolviéndonos a la esencia más pura del rock callejero, del rock garaje, del rock primitivo. Esta vez, rubricando su sello Glam en canciones que parecen sacadas de un disco de pasta de papá hippie, en donde los corazones palpitantes de estos jóvenes inquietos e intrépidos, se mueven sin fisuras a lo largo de un disco que desborda poder y sutileza, rudimentaria maquinación y violencia contenida, en una ensalada imprescindible que marca el rumbo de la nueva música roquera contemporánea. Así de simple. Nos encontramos ante una banda capaz de refugiarse en un lugar de privilegio, desde la oscura austeridad, sin extravagancias ni caprichos sonoros, para revelarnos el secreto de nuestro tiempo: la vuelta a las raíces, reminiscencias de aquello que perdimos en el sampler y en las coordenadas binarias, sólo ruido de guitarras súper amplificadas y distorsionadas, sólo, el lamento de una voz chillona frente al micrófono, sólo la consonancia magnética entre bajo y batería. Sólo, el rock de nuestros padres envueltos en aquellos viajes de música sinfónica echa con la más sana inconsciencia, con el más puro amor.
La otra parte de la mística la brinda la selección de músicos de gran reputación underground: la voz de W (o Alison Mosshart, de The Kills, referente femenina del nuevo punk), la guitarra y teclados de Dean Fertita (de los marihuaneros Queens of the Stone Age) y el bajo de Jack Lawrence (compañero de ruta de White en Raconteurs).
Vinilo y barro expuestos en su más pasional relato. “Horehound” abre el camino, mientras se despide una década, sobre como será el futuro, o mejor dicho, como fue lo mejor del pasado… reinventado.

"I Cut Like a Buffalo" de The Dead Weather

2. "Humbug" - ARCTIC MONKEYS


Han traído al desierto a cuatro adolescentes británicos, con gran reputación y entusiasmo. Les han borrado de su cabeza aquellas referencias inmediatas al revival anárquico del punk, al pop brillante de los fabulosos cuatro de Liverpool y todo aquel sonido estertóreo del hard rock, enviados zeppelianos. Los adoctrinaron al vacío, al camino solitario, entre fardos de camino, películas de John Wayne y quizás, los han tentado con dulces más sobrios y menos demenciales. Todo eso, produjo en ellos el cambio radical que necesitaba su música ya excelsa. Y el encargado de tan dificultosa empresa es Josh Homme (Kyuss, Queens of the Stone Age y ahora, Them Crooked Vultures) que de desiertos, vacíos y oscuridad sabe demasiado.
El resultado es “Humbug”, el disco menos ruidoso y más aceitado de los Monkeys. El disco más furtivo en cuanto a exploración musical, donde combinan su ingenio de rock poderoso con los repiques huecos y las reminiscencias a Ennio Morricone. Donde logran una profundización en el campo poético, mérito de Alex Turner, y sobre todo, denotan su profunda inquietud con los cambios radicales de ritmo y estilo, incorporando cuerdas, combinaciones rústicas (casi barrocas), siempre envueltos en un clima intimista.
Este cambio viene de la mano de la particular visión del prodigio Turner, y su incursión en la banda pop barroca The Last Shadow Puppets, donde se marca ese quiebre latente que su intrépido espíritu venía buscando protagonismo.

La reseña completa de Humbug, clickeando aquí en IMFREAKALOT

"Cornerstone" de Arctic Monkeys

3. "Wolfgang Amadeus Phoenix" - PHOENIX


De las entrañas del movimiento francés electrónico, en auge en otra década, parientes cercanos de Air y Daft Puk, los Phoenix vienen pidiendo pista desde hace rato, y, con el presuntuoso (por el título) “Wolfgang Amadeus Phoenix” logran hacer frente a lo demodé, con una treta entre la simpleza pop de estos tiempos y algunas sutilezas irreversibles de la electrónica. El disco arranca con un impostergable hit, “Litzomania”, de futuro inmediato en las radios y en los iPods, ideal para una tardecita veraniega hoy postergada por el frío que corroe las latitudes parisinas. Y así, desde ese primer track, el disco recorre su más puro e inocente instinto de reproducción a través de canciones con estructuras poco complejas, pero diseñadas para cumplir su cometido: el de sonar hasta aburrirnos, o mejor dicho, diseñadas para no aburrir.
Y sobre el fondo, como papel pintado con impecable sutileza, se desgrana la ingeniería de “Wolfgang Amadeus Phoenix”. Una oscilación artística impecable que le adjudica al disco un punto más de inflexión: no necesitan conjugar sonidos, ni acoplar bit sobre bit para contarnos sus travesuras musicales.

"FENCES" de Phoenix

ESCENA DE LA SEMANA. "Paranoid Park" - Gus van Sant

Esta película realizada y estrenada en Estados Unidos en 2007 y, por esas cosas de las distribuidoras multinacionales, llegó aquí a comienzos del 2009. Ya habrá tiempo para un análisis, ahora, los dejo encantarse con la belleza visual y narrativa que propone Gus Van Sant en "Paranoid Park".


TEMA DE LA SEMANA. "Uprising" - Muse

Una de las joyitas de este año que pasó es el disco de Muse, "The Resistance". Entonces, para empezar la semana, los dejo con su primer corte de difusión, "Uprising", de estos trovadores del Apocalíspis.
Entre parentesis, nótese el tremendo parecido entre Matthew Bellamy, cantante de Muse, con Lionel Messi. Increíble.
Buena semana.

CHAU 2009

Un nuevo año comienza y por tanto, como hay poco que decir, es mejor hacer una revisión sobre lo que tuvimos el año pasado: año de crisis y proyectos truncos, año de producciones desmedidas y resultados opacos. Un año, el 2009, en el que se estrenaron dos películas que quedarán en la historia del cine, y que es mejor hacer una revisión pronta para entender su valor y su legado.
En primer termino, IMFREAKALOT hará un análisis de las tres mejores películas del 2009. Para luego seguir con los tres mejores discos, y las mejores apariciones – tanto en cine como en música – en Argentina.
Que disfruten. Feliz 2010.

IMFREAKALOT

1. "BASTARDOS SIN GLORIA". Quentin Tarantino

TITULO ORIGINAL: Inglorious Basterds
DIRECCIÓN: Quentin Tarantino
GUIÓN: Quentin Tarantino
REPARTO: Brad Pitt, Mélanie Laurent, Christoph Waltz, Diane Kruger
GÉNERO: Drama, Comedia, Acción.
AÑO: 2009
PAÍS: Estados Unidos, Alemania
DURACIÓN: 153 minutos.





Cambiar la historia (del cine)
Hace ya 20 años que Q Tarantino nos sigue exponiendo su mundo paranoico y homicida frente a nuestra jeta. Será, el empuje furioso por devolvernos toda la podredumbre humana que nos acobija, que nos desconsuela, que nos retroalimenta. Será, las ganas de divertirnos, de hacernos estrellar contra una pared entre razón, movimiento, inquietud, desconcierto, sarcasmo, fiebre, balas y vértigo. Y será, su poderosa obsesión por satisfacernos siempre con su cine: estoico, único e irrepetible entre sí.
Las aristas de la historia, así, tridimensionales como son, ejercen a través del tiempo una profunda catarsis, un conjunto de ideas del ¿cómo? ¿por qué? y ¿quiénes? más allá de nuestros preconceptos, percepciones o idiosincrasia. Esa historia inmutable se rige a través de los hechos que la engloban, que la exponen y que la cuentan (esta tercera parte menos creíble por la carga subjetiva), de esta manera, nuestro aparato de comprensión termina acabando una idea general sobre la historia, sobre un hecho fundamental dentro de la misma.
Todos sabemos sobre lo aterrador e ignominioso del Holocausto, sabemos sobre el nacimiento del nazismo y, sobretodo, tenemos una idea general sobre lo megalomaníaco de Hitler, la SS y demás cuestiones votimivas de la historia contemporánea. Ese concepto no va a tambalear por más de que se juegue con ello, que se lo reinvente y exprima, de manera tal, que la historia (tanto narrativa del cine, como la conceptual) cambie por completo. Nadie, ningún director postmoderno se ha animado a hacerlo. ¿Por qué? Porque siempre permanece latente el tabú de las muertes, de las persecuciones y de los infiernos existenciales por los que atravesaron aquellas víctimas del aparato nazi. Pero Tarantino, sin sofisticaciones ni refuerzos, visceral como es, expuso una cinta (de las mejores de los últimos diez años) al alcance de todos. Y lo valioso, es contar una, dos, tres historias paralelas, sobre el nazismo y el Holocausto, si; pero también, sobre la naturaleza infernal e impiadosa del ser humano, o, sobre la sobreposición de la adversidad, sobre la vida, el amor y los sentimientos. En el fondo tétrico de las balas y, como era de esperar, su temática siempre recurrente: la venganza.
“Bastardos sin gloria” es la obra maestra de Quentin Tarantino, no sólo por la fuerza que ejerce una historia (narrativa) totalmente explosiva y policromática, sino por la presencia única de los diálogos, razón fundamental por la cual, las escenas de casi quince minutos pasen por alto, concentrando toda nuestra atención, desenredándonos en el enjambre conflictivo que presenta Tarantino. Y la dirección actoral es el matiz final que Q le da a su obra: sobretodo, la formidable actuación del histriónico y complaciente Hans Landa, oficial de la SS, magníficamente interpretado por un ignoto Christoph Waltz.

TRAILER DE "INGLORIOUS BASTERDS"

2. "UP, UNA AVENTURA DE ALTURA". Pixar

TITULO ORIGINAL: Up
DIRECCIÓN: Pete Docter, Bob Petersen.
GUIÓN: Pete Docter, Bob Petersen.
REPARTO: Animación
GÉNERO: Comedia
AÑO: 2004
PAÍS: Estados Unidos
DURACIÓN: 96 minutos.





Abandonado la idea que el cine de animación es puramente para entretener a los purretes que corren por entre las hileras del cine con ansias de divertirse, de reír y que, sobretodo, a ellos les quede una moraleja que con el correr del tiempo se irá desaprendiendo de sus cabecitas por otro entretenimiento fugaz.
La idea cautivadora de Pixar es el quiebre definitivo al cine de animación. Ubicada entre el surrealismo poético, nos abre paso a un mundo donde todo es posible, donde la vida es el elemento más valioso del ser humano, que, en constante conflicto con su entorno o con el paso del tiempo, las hendijas de la existencia se van resquebrajando. La herramienta más valiosa para hacerle frente a esta duda, en clave humanista, es el sentido del respeto al otro, hacia todo lo que nos rodea.
“Up” es un film maravilloso, abordado desde un relato que parece entender como debiera ser el cine de hoy: detallista y rítmico, sin abandonar el mensaje profundo, ampliando los márgenes para un entendimiento más humano sobre lo valioso de la vida.
Parece increíble pensar, que el cine de hoy se llegue a su máxima expresión de la mano de una cinta comercial. Pero es así. Hoy importa más la recaudación, los efectos desmesurados, las primeras figuras y los sueños rotos, en contrapartida a una aventura narrativa que nos regocije y nos penetre de manera conmovedora. Pero Pixar, ha hecho este sueño posible.
Desde sus primeros diez minutos, seductores y emocionales, “Up” sigue el rumbo narrativo – a través de la firmeza de un relato mudo – de las escuelas más paradigmáticas del cine: en aquella secuencia, donde vemos el progreso del personaje principal, somos espectadores de la historia del cine, ni más ni menos, donde el Chaplin de “El niño” se entretiene con Raoul Ruiz y Fellini, en forma animada. Allí está la esencia de “Up”, que esquiva la agrietada huella del cine comercial, sumergiéndonos en la historia de un ser humano común, para contarnos una historia de apariencia simple y encontrarnos con el verdadero sentido de la vida, del cine, de nuestra raíz. Lo más auténtico que brinda el film, es el clima austero, la métrica con que está contado. No se excede en el clima, ni nos pega duro en el bajo vientre.
Allí nos deposita, creyendo que todas las utopías pueden volverse realidad, con tan solo soñar y creer en ese sueño. Memorable película de Pixar, que nos hace posible ese camino.

TRAILER DE "UP"

3. "EL LECTOR". Stephen Daldry

TITULO ORIGINAL: The Reader
DIRECCIÓN: Stephen Daldry
GUIÓN: David Hare (Novela: Bernhard Schlink)
REPARTO: Kate Winslet, David Kross, Ralph Fiennes, Bruno Ganz
GÉNERO: Drama
AÑO: 2009
PAÍS: Estados Unidos, Alemania.
DURACIÓN: 123 minutos.





Cuando cae enfermo en su camino a casa desde el colegio, Michael Berg (David Kross) un joven de 15 años, es rescatado por Hanna (Kate Winslet), una mujer que le dobla la edad. Ambos comienzan un inesperado y apasionado idilio hasta que Hanna desaparece de repente. Ocho años después, Michael, convertido en un joven estudiante de derecho vuelve a encontrarse con su antigua amante mientras está como observador en un tribunal donde se está juzgando a colaboradores de la Alemania Nazi. Hanna está acusada de colaborar con el aparato nazi y rechaza defenderse a sí misma. Michael, gradualmente, se va dando cuenta de que el amor de su juventud guarda un secreto que considera aún más vergonzoso que el asesinato.
Abordando como temática las secuelas de la Alemania post-nazismo, la película no opta por transitar el camino de la sensibilidad melodramática ni por dejar una critica a quienes brindaron servicio al régimen nazi, sino que adopta una postura más pasiva y sobria, como efecto catalizador, la condena al régimen, donde plantea una historia de amor furtivo que se ve en el espejo de dos realidades contrapuestas.
El film presenta un quiebre entre su primera y segunda mitad, ofreciéndonos inicialmente una película de ritmo bastante aquietado, con un escaso desarrollo argumental, en la que solo suceden escenas de índole sexual, y muy acotados diálogos, dejando una introducción llevadera pero, de apariencia, algo insustancial. Sin embargo, en su segunda mitad, la historia se enriquece y, aun manteniendo un ritmo calmo, su desarrollo no solo adquiere mayor fluidez sino que logra introducir al espectador dejando una conmovedora historia en la que los personajes cobran interés propio, dejando la sensación de justificar su introducción.
Dentro de sus aciertos se encuentra la elocuencia que alcanza una historia en la que prima una aparente sencillez. Una historia de amor entre seres de diferente idiosincrasia, edades y reflexiones, consumada a través del acto amatorio, que descomprime la tensión entre los personajes por tales diferencias. Es, a la vez que la propia riqueza de la historia permite introducir al espectador en el mismo dilema moral y sentimental al que queda expuesto el protagonista (Michael Berg) por lo que no solo invita a la reflexión sino que hace palpable el sentir de los protagonistas.
Sobria, con un estilo marcado por grandes vacío de diálogos que dotan de mayor protagonismo a la imagen, un reparto de auténtico lujo y una durísima historia, El Lector es una obra que pugna por una constante fricción entre los sentimientos y las ideas. Entre nuestros instintos y las reglas que hemos creado para controlarlos. Entre la moral, la justica y la ley. Entre el amor y la muerte. A través de esa batalla librada en las entrañas, nos damos cuenta de que lo que se dice de Daldry no es un simple rumor.

TRAILER DE "THE READER"