Oh - Oh !!!

Cadáver Exquisito toma Mate en Ojotas en la Bristol

Estoy muy solo y triste
acá, en este mundo abandonado.
Todo concluye al fin,
nada puede cambiar.
Detrás de las paredes,
que ayer se han levantado.
Yo vivía en el bosque muy contento,
caminaba, caminaba, sin cesar.

Todo empezó con el chiste que decía,
lo tuyo es mío y lo mío es mío.
No hay que tener un auto, ni relojes de medio millón,
cuatro empleos bien pagados, ser un astro de televisión.
Por más que tenga el mundo entre las manos,
por más que pueda hacerte muy feliz.
Nunca nos estamos solos,
nos pertecemos, un presente que pasado fue.

Muy bien, yo sé que el tiempo
es impreciso, no sé lo que pensar...
Recién me doy cuenta
que no hay que pensar.
Qué cálidas aguas te arrollarán desde el grito natural,
cuando despiertes, si es que realmente, te llaman.
Habrá crecido un talo en el nogal,
la luz habrá tiznado gente sin fé.

De pronto en el planeta va quedando un lugar,
donde los hombres prodrán seguir creciendo en paz.
¡Cómo mata el viento norte!
Cuando agosto está en el día y el espacio nuestros cuerpos.
Aquí esta mi cuerpo muerto al fin.
¿Qué es lo que su mente se enredaba en mí?
Existen tontos, tontos, tan solo tontos.
Ya sean hippies, hippies o tipos de chalecos cortos.

No llores por las heridas que no paran de sangran,
no llores por mi, Argentina, te quiero cada día más.
La realidad duerme sola en un entierro
y camina triste por el sueño del más bueno.
Sobre la palma de mi lengua vive el himno de mi corazón.
Es la alianza más perfecta que en justicia me une a vos.
Van solos por la calle con sus manos vacías,
poesía del suelo, poesía del día.

No me imaginaba que eras tan le lush
tu beso en el vidrio dejó marcado el rouge.
Hipnotismo de un flagelo, dulce, tan dulce.
Cuando el cuerpo no espera lo que llaman amor...
Luces calientes atraviesan mi mente, luces calientes atraviesan mi mente,
te veo a vos, te veo a vos...
Pero dos que se quieren, se dicen cualquier cosa.
¡Ay! Si pudieras recordar sin rencor.

Yo nunca fui a New York, no sé lo que es París.
Vivo bajo la tierra, vivo dentro de mi.
Y no sirvió de nada porque todo el tiempo estaba yo en un mismo lugar
y bajo la misma piel, y en la misma ceremonia.
Si quiero me toco el alma
pues mi carne ya no es nada.
Puedo seguir escapando y aún lo estoy pensando,
estoy pensando pero estoy cansado de pensar.

Los Mal-Chicos de cuero nos queremos divertir, 1,2, ultraviolento.
Con mis drugos al ataque vamos a ir...
¿Y por qué es que desaparecen?
Porque no todos somos iguales.
Lo negro se vuelve rojo, los ojos se abren exaltados.
La ley nuevamente matando al hombre.
Carlos se dejó crecer el bigote y una nueve para él.
Ya no vino nunca más por el bar de Fabián
y se olvidó de pelearse los domingos en la cancha.

Muchos mitos existen acá, muchas sombras te seguirán.
Si alguien me llama y no estás, en la tormenta te cubrirás.
Son frases sueltas sin pensar o imagen suelta sin pensar,
pensando en mí no pienso en mí, pensando en vos no pienso más.
Porque del barro te viste crecer, porque del barro sos vos.
Porque del barro supiste beber, no se olvida el amargo sabor.
Y morir queriendo ser libre, encontrar mi lado salvaje,
ponerle alas a mi destino, romper los dientes de este engranaje.

Que los deseos hagan estado de sitio de cuerpo y el alma,
que los que callan griten con voces que asustan con brotes de rabia.
Suelo dormir y a veces despierto, sueños que cansan
por ser tan intensos, repito mil veces los mismos hechos.
A esta altura la comedia se disuelve y cada paso no supera al anterior,
a cada pausa mide, suelta el lastre y mide.
Una, dos, diez tragedias alimentan lo que es tu cuerpo
en piletas llenas de barro, nenas ahorcan a sus muñecas. ¡Motherfucker!


La Balsa - TANGUITO; Presente - VOX DEI; Rasguña las Piedras - SUI GENERIS; El oso - MORIS; Pato Trabaja en una Carniceria - MORIS; No Pibe - MANAL; El Mundo entre las Manos - ALMENDRA; Nunca lo Sabrán - PAPPO; Como el Viento Voy a Ver - PESCADO RABIOSO; Hace Casi 2000 Años - COLOR HUMANO; Violencia en el Parque - AQUELARRE; Los Libros de la Buena Memoria - INVISIBLE; Sudamerica - ARCOIRIS; ¡Como Mata el Viento Norte! - LA MÁQUINA DE HACER PÁJAROS; Visión del Entierro Propio - CRUCIS; Tontos - BILLY BOND Y LA PESADA DEL ROCANROL; No Llores por mi Argentina - SERÚ GIRÁN; La Colina de la Vida - LEÓN GIECO; Himno de mi Corazón - LOS ABUELOS DE LA NADA; Enero del Último Día - SPINETTA JADE; Tomo lo que Encuentro - VIRUS; Canción Animal - SODA STEREO; El Ojo Blindado - SUMO; La Hija del Fletero - PATRICIO REY Y SUS REDONDITOS DE RICOTA; Chipi Chipi - CHARLY GARCÍA; Tumbas de la Gloria - FITO PÁEZ; Barro Tal Vez - LUIS ALBERTO SPINETTA; Donde Manda Marinero - ANDRÉS CALAMARO; 1,2, ultraviolento - LOS VIOLADORES; Desapariciones - LOS FABULOSOS CADILLACS; 10 Segundos de Masacre - TODOS TUS MUERTOS; Ya No Sos Igual - 2 MINUTOS; Muchos Mitos - LAS PELOTAS; Capo Capón - DIVIDIDOS; Buenos Tiempos - LOS PIOJOS; Hablando de la Libertad - LA RENGA; Espíritu en esta Selva - BERSUIT VERGARABAT; El Número Imperfecto - CATUPECU MACHU; Juicio a un Bailarín - MASSACRE PALESTINA; Rosita - ÁRBOL.

La Mentira Más Grande Jamás Contada


NO PUEDO OBTENER NINGUNA SATISFACCIÓN
NO PUEDO OBTENER NINGUNA SATISFACCIÓN
PORQUE INTENTO, Y YO INTENTO, Y YO INTENTO, Y YO INTENTO
NO PUEDO OBTENER NINGUNA, NO PUEDO OBTENER NINGUNA

CUANDO ESTOY CONDUCIENDO EN MI COCHE
Y ESE HOMBRE VIENE EN LA RADIO
Y EL ME ESTÁ DICIENDO MÁS Y MÁS
ACERCA DE INFORMACIÓN INÚTIL
SUPUESTA A ENCENDER MI IMAGINACIÓN
NO PUEDO OBTENER NINGUNA, OH NO NO NO
HEY HEY HEY, ESO ES LO QUE DIGO

NO PUEDO OBTENER NINGUNA SATISFACCIÓN
NO PUEDO OBTENER NINGUNA SATISFACCIÓN
PORQUE INTENTO, Y YO INTENTO, Y YO INTENTO, Y YO INTENTO
NO PUEDO OBTENER NINGUNA, NO PUEDO OBTENER NINGUNA

CUANDO ESTOY MIRANDO MI TELEVISIÓN
Y ESE HOMBRE VIENE A DECIRME
QUE TAN BLANCAS DEBERÍAN DE SER MIS CAMISAS
PERO EL NO PUEDE SER UN HOMBRE PORQUE EL NO FUMA
LOS MISMOS CIGARROS QUE YO
NO PUEDO OBTENER NINGUNA, OH NO NO NO
HEY HEY HEY, ESO ES LO QUE DIGO

NO PUEDO OBTENER NINGUNA SATISFACCIÓN
NO PUEDO OBTENER NINGUNA REACCIÓN DE UNA CHICA
PORQUE INTENTO, Y YO INTENTO, Y YO INTENTO, Y YO INTENTO
NO PUEDO OBTENER NINGUNA, NO PUEDO OBTENER NINGUNA

CUANDO ESTOY CONDUCIENDO ALREDEDOR DEL MUNDO
Y ESTOY HACIENDO ESTO Y ESTOY CANTANDO AQUELLO
Y ESTOY TRATANDO DE HACER QUE ALGUNA MUCHACHA
QUIEN ME DICE NENE SERÁ MEJOR QUE VUELVAS LA PRÓXIMA SEMANA
PORQUE VERÁS ESTOY UNA MALA RACHA
NO PUEDO OBTENER NINGUNA, OH NO NO NO
HEY HEY HEY, ESO ES LO QUE DIGO

NO PUEDO OBTENER NINGUNA, NO PUEDO OBTENER NINGUNA
NO PUEDO OBTENER NINGUNA SATISFACCIÓN
NINGUNA SATISFACCIÓN, NINGUNA SATISFACCIÓN

Gracias a las Piedras Rodantes. Gracias a los cincuenta años de vendernos su música poética, su crítica visión del mundo y, sobretodo, sus sinfónicos ritmos.
Les doy las gracias por dejar un mensaje imprescindible en la vida de las personas, ayudándolas a trascender, a pensar, a perseguir un ideal.
Gracias por el legado dejado en nuestro país. Gracias por el Pity, por Juanse, por los Guasones, los Jovenes Pordioseros, La 25, La Mancha de Rolando, etc.
Gracias por transformar la música en un arte conceptual alejada de los cánones de producto industrial, por su excelencia musical, por la filosofía transmitida.
Gracias por los dos tonos.
Gracias por el bailoteo de pajarito.
Gracias por la boca de Jagger.
Gracias por la artrosis de Richards.
Gracias por la cara de tujez de Watts.
Gracias por la Satisfacción, aunque no obtenida.

IMFREAKALOT.

"El Curioso Caso de Benjamín Button" (2008) DAVID FINCHER

TITULO ORIGINAL: The Curious Case of Benjamin Button
DIRECCIÓN: David Fincher
GUIÓN: Eric Roth
REPARTO: Brad Pitt, Cate Blanchett, Taraji P. Henson, Tilda Swinton.
GÉNERO: Drama
AÑO: 2008
PAÍS: Estados Unidos
DURACIÓN: 167 minutos.

INTRODUCCIÓN: EL GORDO Y YO.
El lunes a la tarde tenía ganas de ver una película, chequée la mal ponderada guía de Cablevisión y, como siempre, encontré las mismas películas: XXX I, II y III, El Rey Escorpión, Cuando Harry Conoció a Sally y el estreno absoluto: Más Rápido, Más Furioso. Desilusionado pues, tuve que recurrir a mi videoclub amigo, llamémosle el “Gordo”. Un ser amistoso que tiene una escasa paleta de respuestas al requerir información sobre cualquier película: “Un Peliculón”, dice vendiéndola. Yo trato siempre de tener un cierto filtro en cuanto a su marketing off sobre las películas, dado que da lo mismo que sea Peter Pan… la de Disney o El Hombre Elefante, él siempre concluye con la misma frase, mirándote a los ojos, cómplice. Tarde unos veinte minutos para hacer mi elección, porque quería aprovechar bien su oferta de “paga dos, lleva tres por 48 horas”. Entre ellas, encontré algunas que dubitativamente volví a colocar en el exhibidor. Siempre me planteo existencialmente cada una de mis decisiones a la hora de rentar una película. Al fin y al cabo, le estoy dando doce pesos al gordo, quiero algo bueno. Busqué, busqué, entre piratas y originales (cabe decir que las de la primera clase son mayoría) y encontré “El Curioso Caso de Benjamin Button”. ¿Ya salió en DVD? – pensé in situ. Claro que no, respondiéndome instantáneamente. Bueno, ya fue – procedí, mientras la colocaba junto a las otras dos, de menor importancia para el caso. A lo sumo, tendré que bancarme el cartel que dice “Property of Paramount Pictures…“ toda la película. Como muy grave puede estar habada en ruso y traducido al español. Pagué y volví a mi casa.

Hay que estar preparado para ver “El Curioso Caso de Benjamin Button”. No porque su trama sea de una estricta dificultad narrativa. Tampoco por el hecho de que nos sometemos a ver personajes de un despliegue escénico sumamente elaborado e intrincado. Hay que estar preparado para ver una película que engloba la vida de un tipo que, como comienza la narración en off: “nació en circunstancias inusuales”. Más de dos horas y media para desarrollar una típica historia de amor que se entrecruza, separa, odia y vuelve a enamorar a dos personajes a lo largo de una vida. El dato curioso es que el protagonista masculino, encarnado por un sobrio Brad Pitt, nació siendo un bebé enjaulado en un cuerpo de un anciano. A lo largo de su crecimiento, se va haciendo cada vez más fuerte y joven. Y es allí, en el punto justo de su masculinidad cuando definitivamente se entrelaza con el amor de su vida, una mujer que respeta los cánones de nacimiento “normal”.
La historia no es más que un cuentito eficaz de producción hollywoodense, donde se desarrollan los típicos personajes estereotipados que interactúan con Benjamin a lo largo de su camino: El padre que lo abandonó y busca el perdón, la madre adoptiva, visceral y sobre protectora, la novia, una supermujer sin puntos flacos, cautivantemente atractiva. Y los demás, que obedecen arquetípicamente a lo que la historia requiere, un collage de personajes que van siendo significativos en la vida de Button, gracias a sus peripecias.
Apelando a la emotividad constante y a la lágrima fácil, uno puede adivinar como sigue la película a medida que transcurre. Lugares comunes y simplicidad narrativa. Lo bueno, y acá me voy a poner sentimental, es que Fincher, su director, no escapa a ese patrón; se hace cargo de lo que ofrece y lo muestra con sutiles pinceladas de talento. Casi siempre, optando por una forma que recae en la comedia y no en el drama. En ese hecho radica la diferenciación con otros films del mismo talante. Las dificultades que se le presentan al personaje a lo largo de la obra son vistas de forma optimista y paulatinamente, eso se transforma en una oportunidad para salir de ese asedio dramático con soltura. En tanto el personaje crece (no físicamente), se nota que la película avanza, rigurosamente solventada a través de una característica esencial de Benjamin Button: la madurez para enfrentar las dificultades.
El resto es una buena conjunción de la parte artística. Una buena fotografía, matizada por los colores de acuerdo a la época. En plena etapa de niñez (cuando Benjamin es viejo) la gamma de colores sepia enmascaran la pantalla, en los cincuenta y sesenta colores más centellantes dignos del arte pop y en la etapa de la adultez (cuando es un niño) abundan los colores fríos.
Combinados con un ritmo ágil, proveniente de la escuela del videoclip, Fincher logra capitalizar en el largometraje lo que venía haciendo desde “Se7en” o “Fight Club”: escenas cortas, diálogos rápidos y mucha acción en el plano.
El toque sutil y más destacable de esta película es, sin dudas, el arte. La conjunción de vestuario, maquillaje, efectos visuales y escenografía se llevan todos los créditos. Hasta el punto de preguntarse: ¿Cómo hicieron para que Brad Pitt luzca pelado, petiso y con anteojos? Es simplemente, un avance tecnológico puesto al servicio de la historia y no por el mero hecho de hacer cine espectáculo… Bueno, lo hacen, pero desde otro punto de vista, ustedes saben a lo que me refiero.
El mensaje es claro y no escapa de las convenciones normales del cine industrial en la comedia romántica. El amor por sobre todas las circunstancias de la vida, el amor que prevalece. Cualquier tipo de amor. El amor de una madre, de dos amantes, por la música, por las historias, por el mar, por los hijos. Pero lo que hace destacar la historia y eso, en definitiva, enaltece la obra, es la sutilidad usada para mostrarlo. Pequeños actos que se van concatenando, hilos conductores que intentan, de manera acertada, contagiarnos, hacernos parte de la historia. Sufrir por el errático amor y festejar cuando los seres se encuentran. Visto desde una óptica equisciente, somos parte de la vida de Benjamin.

Es una emotiva película para ver con paciencia luego de una relajante cena, dispuestos en el sillón cómodamente. En el transcurso uno puede pararse para ir al baño o servirse whisky y no se perderá el hilo. Si se es de lágrima fácil, probablemente asimilará todas las escenas como desgarradores momentos de melancolía, en caso contrario, si se es un macho viril amante de las películas de Van Damme y Stallone, la sabrá soportar sin demasiadas dificultades.
Visto desde un relevamiento histórico, de manera desacertada carece de una mirada crítica a la sociedad. No abundan las discriminaciones, ni los conflictos raciales, ni las dificultades de la vida post-guerra, sólo muestra una determinada época sin realizar un juicio de valor. Probablemente, pierda un vuelo narrativo que de haberlo impuesto en el film, seguramente lo enriquecería mucho más.
En resumen, buena fotografía, excelente arte, historia simple y sólida actuación de Brad.

The Meaning of Life


Cinemúsicacinemúsica

La fusión exacta entre cine y música. Entrando por nuestras neuronas, conectadas en solfa para destruir nuestra conciencia, conmoviendo, extasiando, paralizando el sentido. Memorias, instántes, lugares, vuelta atrás, desandado camino. Muchas veces las canciones nos hacen acordar a una mágica escena de una película, o a la película en sí. Luego, esa mismo film nos remonta a un lugar en el tiempo vivido, un instánte, aquel contexto anhelante, la vuelta a un momento fotográfico.

A partir de este momento, transitaremos por las canciones (no bandas de sonido) que representan fielmente la esencia del film. No es el mero hecho de transcribir lo que la canción es, sino lo que representa y como interactúa con la película.
Cabe decir, que todas las canciones son conocidas por el film y luego trascendieron en el mundillo musical. Pero antes que nada, son perfectos marcos para construir nuestra mirada hacia aquella película que atesoramos entre la retina y la conciencia.

Le mando un beso grande, grande. IMFREAKALOT

1. Wise Up - Aimee Mann feat. All Characters. MAGNOLIA (2001)

El azar no existe, la coincidencia y la casualidad son parte de un porque suceden las cosas. Causa y efecto. Todos los sujetos actuantes de esta gran masa que nos engloba somos responsables de nuestros actos. La mera afinidad que nos une es la autodestrucción de nuestro ser, de nuestra tierra, de nuestro contexto. Entre la irracionalidad y la sucesión de circunstancias en las cuales nos vemos obligados a actuar, somos un aparato que responde sistemáticamente respondiendo a nuestro placer, y en ese trance, destruimos lo que nos rodea y por tanto, a corto o largo plazo, terminamos destruyéndonos. El único remedio es el perdón, la llama que avive nuestra conciencia, el terror por el reconocimiento interno. Y no va a parar, dice la canción. No va a parar hasta que te des cuenta de lo que has hecho.

2. Everybody´s Gotta Learn Sometime - Beck. ETERNAL SUNSHINE OF THE SPOTLESS MIND (2004)

Aprender a amar, a convivir, a compartir, a sufrir, a llorar, a reír, a convertirse dos en una sola forma de expresión. Los violentos vaivenes, el desgaste natural de las cosas corroídas por el tiempo. Esa sustancia que amenaza contra todo lo sólido y el único escudo, la única salvación está archivada en la memoria. Los momentos fotográficos, instantes de pura acción y romance, en el centro de nuestro cerebro, viaja escalofriante por la espina dorsal hasta conectar al corazón. Todos debemos aprender a amar, simples palabras, declaración, nada más.
Hermosa canción.

3. Born Slippy - Underworld. TRAINSPOTTING (1996)

Retumba en la cabeza drogada por el ácido, retumba en la cabeza abierta del melómano, retumba en las calles empobrecidas, retumba en la habitación y en la rave, retumba en los parlantes de mi ordenador, retumba en el cuerpo de un alma incógnita.
Grito de guerra de la juventud desprevenida por el avatar del tiempo, música para soportar los cambios venideros en la sofisticación de la vida. Debemos ser parte de un algo, aunque no se encuentren respuestas, se debe ser alguien, hallar el mundo, vivirlo, rozar con lo absurdo, esperar de él lo que nos tiene preparado.
Con un golpe histriónico y un sutil arreglo de sintetizadores, Underworld pergeñó esta impresionante obra musical.
John Hodge: Choose life. Choose a job. Choose a career. Choose Life. Choose a job. Choose a career. Choose a family.Choose a fucking big television, choose washing machines, cars, compact disc players and electrical tin openers. Choose good health, low cholesterol, and dental insurance. Choose fixed interest mortage repayments. Choose a starter home. Choose your friends. Choose leisurewear and matching luggage. Choose a three-piece suite on hire purchase in a range of fucking fabrics. Choose DIY and wondering who the fuck you are on a Sunday morning. Choose sitting on that couch watching mind-numbing, spirit-crushing game shows, stuffing fucking junk food into your mouth. Choose rotting away at the end of it all, pishing your last in a miserable home, nothing more than an embarrassment to the selfish, fucked up brats you spawned to replace yourself.

Choose your future.

Choose life.

BT I. Indiana Jones Theme - John Williams. INDIANA JONES TRILOGY (1981)

Me voy a poner en una postura totalmente autoritaria. Quién no ha crecido viendo la saga de Indiana Jones no ha tenido infancia. Y este tema de John Williams es la banda de sonido de esa infancia. ¿Quién no ha silbado este tema alguna vez? ¿Quién no ha querido agarrar el cinturón de papá para darle latigazos a los muñecos creyéndonos Indy? Pues yo si. Al escucharlo, despierta en mi una nostalgia placentera, una sensación de que las viejas buenas épocas han vuelto y tengo ganas de volver a correr por el jardín imaginando que es el Templo de la Perdición. O que escapo de los nazis. O que un grupo de musulmanes me persigue. Recorriendo por mi cabeza cada momento vivido, en los que se podía jugar a ser un superhéroe. Le doy todo mis créditos a esta canción. Tararararán.

4. Amarcord Theme - Nino Rota. AMARCORD (1973)

Una postal italiana, los fideos que cuelgan del alambrado, la camiseta de algodón, la sarcástica versión de una época de terror. La música de Nino Rota suena entre las callejuelas de una ciudad en laxante y Fellini propone hilarantemente jugar con la cabeza de sus personajes. Una marcha militar, una gran cara de Mussolini que se entreabre para escupir barbarie, el fulmine ocaso de una época en flor y la ignorancia forma una gruesa capa que deja actuar a los ignominiosos. Esta canción resuena en los recovecos de una sociedad culturalmente devastada, agobiada por el traspaso de generaciones. El eco de los violines formando esa tenue melodía golpeando impertérrita ante la nostálgica novedad de los hechos.

5. Thus Spoke Zarathustra - Compositor: Richard Strauss – Director de orquesta: Gyorgy Ligeti. 2001: A SPACE ODISSEY (1968)

La evolución del hombre resumida en una obra esencial, imprescindible. Desde planteamientos filosóficos y cientificistas, hasta la creación de una tercera etapa: el superhombre, planteada por Nietzche, dan encuadre perfecto a la imponente música de Ligeti. Un periplo a través de la conciencia, el reconocimiento humano, lo inhóspito del ser.
Yendo a lo más superfluo del tema, el escalofrío constante, la inquietud esperanzadora de la superación racional. La imaginación todo lo puede y Kubrick lo ha hecho película. En un viaje largo y monótono en la búsqueda de respuestas a través de la galaxia. El renacer de una raza en el ocaso de los tiempos.

6. Always Look on the Bright Side of Life - Monty Python. LIFE OF BRIAN (1979)

La hipótesis es clara, puede ser refutada, pero creo que visto desde una perspectiva existencialista, todos convendríamos en lo mismo. La vida, vivida así, es pura mierda. Capitalismo, competitividad, globalización, polución, desocupación, cambios climáticos, corruptela, clientelismo, banalidad, aceleración. Cuando todo parece agobiante y la vida no da respiro, te da una chance más. Silbar bajito, reírse de uno mismo, siempre mirar el lado positivo de la vida. Brian acaecido en la crucifixión siendo un pagano líder de la nada, ¿realidad o ficción? Lo único divino, es el consejo: En las peores circunstancias, give a whistle.

7. The Blower´s Daughter - Damien Rice. CLOSER (2004)

Repetitivo estribillo, amor en condena. Lágrima fácil, chorreada en vano. Las complicidades de una cortina de humo que no dejan ver la esencia de los seres. Es la espesa capa que soporta las inclemencias de los tiempos, de amor colérico, gracias Gabo. Esta canción nos transporta hacia la deprimente visión de las cosas, lo vulnerable del ser en expresiones románticas nulas.
La hermosa cara de Natalie Portman atravesando la multitud londinense, su ceja arqueada, la mirada cómplice y no puedo sacarte los ojos de encima. La profunda mirada del recrudecimiento espiritual, volátil, hoy si, mañana no. Y el mundo sigue rodando en torno a esos congelados segundos donde parece avivarse algo en nuestro cuerpo. Un segundo de respiro.

BT II. The Power of Love - Huey Lewis and the News. BACK TO THE FUTURE (1985)

Marty, tenemos que volver.
¿Volver?
De vuelta al futuro.
Puramente caprichosa esta elección. No es un gran tema, de hecho, está lejos de serlo. Pero escúchenme, es el himno de VOLVER AL FUTURO. Solo al escuchar sus notas recorren por mi mente el chaleco y las Nike de Marty McFly, Einstein, el DeLorean y Johnny B Good. Creo que no hace falta agregar más nada. Todos los que tenemos y sentimos algo profundo por esta película (la trilogía completa en mi caso) se sentirán parte de esto que les trato de traducir en palabras.

8. Take my Breath Away - Berlin. TOP GUN (1986)

El amanecer cae sobre la persiana americana, el cuerpo jadeante de un joven Tom Cruise se doblega entre las sábanas en acto amatorio con Kelly McGillis. Cortina de fondo “Take My Breath Away”. Tíldenme de cursi, pero el cine, a veces, nos entrega esos pequeños momentos en los cuales no podemos despegar los ojos de la pantalla y, es cuando se transforma en analogía, en muchos casos, o en otros, deseo. “Hola nena, soy tu Maverick y piloteo este avión hacia tu corazón. Tengo un palo en el banco y unas RayBan que me calzan a la perfección”. Después de eso, la balada ochentosa se hace presente y lo hace todo por si sola. Como decía Jorge Doritos: “Que vuelvan los lentos”.

9. The Godfather Theme - Nino Rota. THE GODFATHER (1972)

Atrapar la esencia de un momento en especial con solemnes pases mágicos, cubierto de mística, de un caparazón roído, de extraños movimientos.
Obviando que este tema se ha convertido ya en paradigmático, representativo, es, sin lugar a dudas, una oda al talento desbordante de Nino Rota. Que, como pocos músicos, tiene la habilidad de capturar, de atrapar al público, que se deja llevar inocuo en el devenir musical. Los sutiles arreglos orquestales y la maravillosa conjunción de instrumentos producen un anhelo inmediato de confort. Melodías tintineantes, compuestas de forma visceral y excéntrica, reflejan maravillosamente una postal de lo que más tarde Francis Ford capturó con su cámara.

10. A Times Goes By - Herman Hupfeld. CASABLANCA (1942)

Como si nunca se hubiera escuchado. Como si nunca hubiéramos visto el sombrero de copa de Bogart y la profunda mirada de Bergman. Tócala de nuevo Sam nunca fue una línea de la película. Sin embargo, ha trascendido el tiempo, paradójicamente, como una alegoría inherente a esta bella canción que ha sido interpretada por muchos grandes músicos estadounidenses.
Traspasando las fronteras del amor errático, el tiempo pasa y todo lo cura, ¿el olvido? ¿el arrepentimiento? ¿el perdón?
El breve fuego que trata de escaparle a la sofocante ceniza. Dos viejos amantes se reencuentran, con telón de fondo, entre gritos y terror belicoso.

11. Starman - Seu Jorge. THE LIFE AQUATIC WITH STEVE ZISSOU (2004)

Capturar la esencia de un artista completo puede resultar difícil, morir en el intento puede ser lo más factible. Sin embargo, para una película que resulta ser el marco perfecto, la idea de tornar a Bowie en un carioca más es excelente. La playa, el mar, las palmeras y el buceo, en una sarcástica e icónica burla a Cousteau con el idioma que maneja Wes Anderson, convirtió a esta canción en una banda de sonido destacable y primordial. La refrescante mirada hacia las olas, tomando una caipiroska, embelesados por su ondeante movimiento, mientras el flujo de Seu Jorge deleita nuestros oídos por tres minutos, instante fotográfico, homenaje ideal.

12. Kiss From a Rose - Seal. BATMAN FOREVER (1995)

Esta canción representa una etapa de mi vida y, como muchos de mi generación, la nostálgica mirada de la perdida de la inocencia infantil. Los nuevos horizontes, las nuevas aventuras fuera del patio de casa.
Esta bella y romántica canción a través del tenue color de voz de Seal trascendió el tiempo, haciéndonos olvidar (por suerte) de la película. Una canción que nada tiene que ver con el peor papel de Jim Carrey haciendo de Acertijo y ni hablar de Tomy Lee Jones tratando de rescatar un personaje malo por dos.
Por suerte, la canción es una hermosa entonación de amor intoxicado y difunto, de variados matices. Un beso de una rosa desde la tumba.

BT III. Mad World - Gary Jules. DONNIE DARKO (2000)

El mundo está enfermo, loco, cínico, devastado, empobrecido y cruel. La gente, en el afán de vivir, responde sistemáticamente a la rutina, a los lugares comunes, para no complicarse. Esta visión apocalíptica del mundo se ve reflejada en esta onírica y deprimente visión del mundo, a través de una película que roza el sarcasmo para darle pie a una intrincada trama, oscura y subversiva. La fascinación por cambiar las cosas, el viaje imaginativo a través de los sentidos que nos devuelve un aire renovado, puro, entre tanta sofocación.
Y, para retratar este perfecto mundo en ruinas, Gary Jules adaptó una hermosa canción de Tears for Fears, que con toques románticos y melancólicos describe el paisaje.

13. Cocek - Goran Bregovic. UNDERGROUND (1995)

Onírica, simbólica, metafórica, especial, argumentos que le caben a la obra maestra de Kusturica “Underground”. Explosiva, subterránea, demencial, alborozada, argumentos que le caben a la banda de sonido de Goran Bregovic realizada con la intención de contar con su música lo que Kusturica plasmó en celuloide. La historia de un pueblo abatido por las guerras, por la pobreza y la desolación, que se da el gusto, solapado y silencioso de disfrutar de su cultura, de la risa, de las comicidades de la vida, en un derroche impecable de sutilezas metonímicas. La destrucción de un pueblo que se realza de las cenizas, dándole vida al trasfondo político y belicoso que forma parte esencial de la vida de estas personas.
El grito gitano de rebelión que desata potencia sobre los campos minados, el rezagado placer de las cosas amenas entre tanto conflicto.

14. Ballroom Blitz - Tia Carrere. WAYNE´S WORLD (1992)

Si, tengo que aclarar que mi capricho por poner “Ballroom Blitz” es gracias a Tia Carrere, musa de mis noches en soledad. Y, aunque se trate de un tema original de Sweet, es cuando cobró sentido en “Wayne´s World” y la repetitiva toma final. Soy German Sharp de Discos Sharp, Rob Low con problema anal y el shrwin shrwin shwrin. Si, los noventas. He notado que las chicas usaban mucho las medias de lycra negras y la boca muy roja, ¿por qué será?
Poder de bajo y batería, grito desafiante. Crónica de una época decadente.

15. Lucky Manuelo - Marva. IEDEREEN BEROEMD! (EVERYBODY´S FAMOUS) – 2000

Como si se tratara de los mismos escenarios, el mismo telón de fondo. La cínica historia de una joven cualquiera en busca de una fama utópica, dispuesta a vivir circunstancias horrorosas y amenazadoras. Crisis nacional, la humilde recesión y entretanto, los caprichos por convertirse en una diva de la canción. La idea no es para nada desquiciada ya que es moneda corriente por estos lares. El chico que quiere abandonar la fábrica y esta dispuesto a la condena en vivo. El padre que quiere vivir de su hijo y, las idas y venidas en tono cómico. La película carece de enriquecimiento dramático, pero lo que es cierto, pese a la superflua crítica, la canción no la podemos quitar de nuestra cabeza.

This is the End

Esto es todo. Espero que les haya gustado. Los invito a opinar y debatir.

Un beso gigante. IMFREAKALOT

Puesto 1. "Kid A" (2000) RADIOHEAD


Si, se puede vencer a la excelencia. Cuando parece que se ha tocado el techo de algo y no hay un más allá, la mayoría de los mortales, conformistas, se quedan alojados allí, en ese sitio de privilegio. Pero hay quienes intentan doblegarse y no estancarse en ese lugar. Y si trascendemos ese lugar de privilegio podemos lograr una superioridad espiritual, artística. Conscientes de esto, Radiohead logró capitalizar “Kid A”. Un disco que marca un antes y un después en la vida musical de Thom Yorke y su banda. Es una obra de arte, con todo lo que eso acarrea. Es la confirmación de que Radiohead es una de las bandas fundamentales de la historia del rock.
Dándole una nueva fuerza a sus melancólicos himnos, introdujeron efectos digitales, samplers, sintetizadores y una ecléctica gamma de sonidos, que respaldan a esa lírica prodigiosa, a ese ambiente ambiguo, abstracto, arquitectónico, que nos someten sus canciones. La composición perfecta enmarcada por un concepto experimental creado con el lógico fin de llevarnos a través de un eterno viaje de reconocimiento, de primitiva introspección.
Este es el disco de Radiohead, es la explicación analítica de todos los interrogantes sembrados a través de toda su historia musical. Es el maravilloso arte de hacer ruido y su eterna explicación. Al explorarlo detenidamente, entendemos por fin, el verdadero sentido de Radiohead. La trascendencia artística a la cual nos remonta.
De 1 a 10: 10 puntos.

Puesto 2. "Elephant" (2003) THE WHITE STRIPES


En el cuarto disco de la banda compuesta por Jack y Meg White terminan de convencer que ingresaron al selecto grupo de las grandes bandas de la historia. Un disco que se convierte en una especie de estandarte musical, marcando una era y mostrando el camino a las futuras generaciones de músicos. La visión prodigiosa del genio musical de Jack White, perfeccionando esa desprolijidad prolija que mostraba la banda en los antecesores discos se hizo notoria con los arreglos melódicos y la inclusión de pianos, coros y la participación estelar de Meg en varias canciones que le dan al disco una sensibilidad única que contrasta con la premisa musical del grupo.
Este disco logra conmover, agitar las cabezas y hasta llegar a un éxtasis que evoca a los grandes discos de rock de los años ´70.
De 1 a 10: 10 puntos.

Puesto 3. "Room on Fire" (2003) THE STROKES


Estallando desde lo más profundo de las galaxias, este disco se abre paso entre los mejores de la década dejando pinceladas sutiles de talento desbordante. Es rock en estado puro. Es la concordancia a través de una línea rítmica de todos los elementos puestos en juego.
Sin abandonar su sonido primitivo, en “Room on Fire” convencen a todos de que son una gran banda, pareja y armónica. Combinando las predominantes guitarras con el acompañamiento de la gran voz de Julian Casablancas, que maneja los altos y bajos con una notable solidez. Así, The Strokes atenta contra todos. Provoca, desde las palabras y el ritmo que se esfuerza por desbordar a cada paso. Ejercitando en nuestras mentes la reivindicación de la esencia pura y desafiante que el rock contamina.
Al escuchar esta obra, uno puede augurar para The Strokes una estancia entre las bandas más grandes de la historia.
De 1 a 10: 10 puntos.

Puesto 4. "Viva La Vida or Death and All His Friends" (2008) COLDPLAY


Era muy sencillo. Ponemos todo nuestro talento sobre la mesa, combinamos nuestros melancólicos himnos con sonidos polifónicos de cuerdas, coros y arreglos electrónicos, y contratamos al mejor productor de rock, de esta manera congeniamos un disco conceptual que generará controversia y, de paso, nos damos un gusto personal. Así, Coldplay con la ayuda de Brian Eno creó su disco más raro y ambivalente de su propia historia, “Viva la Vida”.
Con una proclama algo optimista conmociona por letras de verdadero recorrido profundo, algo más de lo que nos tiene acostumbrado Chris Martin, con guiños a su vieja esencia y con más razones para entender que Coldplay no era la bandita de paso fugaz que nos entregaba lindas baladitas para llevar a una mina a la cama.
En este disco, gracias a la mezcla ecléctica de sonidos sinfónicos, tenemos el agrado de ser participes de un cambio estético, sincopado, armonioso de bellas canciones que nos demuestra la amplitud musical y escénica de Coldplay. Es una rareza, hay que decirlo, pues hay que escuchar varias veces esta obra para poder llegar a dilucidar el mensaje oculto y el arte que refleja, pues, a la primera pasada, uno queda con la sensación de que algo se ha perdido en el camino o que Chris Martin fue víctima del abuso de clases de marketing. Ya en las consecutivas audiciones uno pierde de vista los complejos que antes se presentaban y es cuando se da cuenta de que “Viva la Vida” es una obra compleja y de matices eclécticos.
De 1 a 10: 10 puntos.

Puesto 5. "Consolers of the Lonely" (2008) RACONTEURS


El genio creador de Jack White se hace presente una vez más con su segunda banda, Raconteurs, en este disco que nos hace prometer, juramentar que nunca, nunca más nos olvidaremos de rezar al dios Rock. “Consolers of the Lonely” es la prueba viviente de que el rock se escapó del vinilo y se aggiorno a nuestra época para dejarnos en un estado atómico de suprema elevación. Es la reivindicación de nuestros próceres que han dado su sangre, su sudor y sus yemas contra las cuerdas de una guitarra, treinta, cuarenta años atrás. Todo ese tiempo le tomó al rock para hacerse presente y mostrarnos su cara más sucia, más poderosa. Pero claro, ha crecido, o mejor dicho, se ha reinventado. Dándole un nuevo valor a las formas de su más pura expresión. Con verdaderas muestras de energía que evocan a Yes, a Zeppelin, a Zappa, a Hendrix. Todo esto lo logran estos cinco muchachos reunidos por esta causa, donde en su disco predecesor ya habían mostrado atisbos a través de buenas canciones que no terminaban de convencer. Dos años más tarde lo han logrado y este disco se ha convertido en un nieto directo de “Who´s Next” de los Who o de “Houses of the Holy” de Led Zeppelin. Un verdadero masterpiece.
De 1 a 10: 10 puntos.

Puesto 6. "Riot Act" (2002) PEARL JAM


Este disco es una pieza fundamental de la banda de Seattle liderada por el carismático cantante Eddie Vedder. Una obra que sorprende, emociona y se disfruta por la mezcla de ritmos de variada intensidad.
Pearl Jam abandona el rótulo de banda grunge con que se la conoció para dejar llevar a quien escucha esta obra una síntesis de ideologías y atmósferas que la convierten en una banda de culto. Desde los emotivos “I am Mine” y “Love Boat Captain” donde la letra conmueve hasta las lágrimas, hasta las letras de protesta anti imperialismo como “Bu$hleaguer” que demuestra lo ecléctico de la banda. Convierten a este disco en un trabajo esencial de su época, sin olvidarnos de los temas que acompañan a los mencionados donde Eddie Vedder se destaca por su inigualable y su prodigiosa pluma en donde demuestra ser uno de los músicos más importantes de la escena roquera contemporánea.
De 1 a 10: 10 puntos.

Puesto 7. "Whatever People Say I Am, That´s What I´m Not" (2006) ARCTIC MONKEYS


Un sonido estentóreo recorre la gris neblina londinense. Un grito desesperado en la decadente era post-punk. Unas guitarras parecen desafinadas a la distancia pero expelen una agridulce melodía polifónica que hace estallar los oídos. Es la rebelión de un cuarteto de niños “bien” en la extraña y melancólica ciudad de Sheffield, en los suburbios. Un desacuerdo entre partes parece forjar este disco con reminiscencias festivas en donde el punk era lo suficientemente inadaptado y se regía por una sola norma. Ahora, este grupo de catedráticos niños liderado por un sobrio Alex Turner, basándose en esos viejos paradigmas brindan al mundo con la aparición de este disco la llave para volver a sentirse en esa era. Con algunos toques de sudor bolichero y pasos lentos, confirman que es una obra esencial de nuestra era por lo contemporáneo, por lo representativo, por lo díscolo, por el arte en sí.
Arctic Monkeys se abre paso entre lo abrumador de la noche para volver hacernos revolear las cabezas y extender nuestros cuernos al aire, esperando exorcizar al cuerpo con un sonido desprolijamente perfecto.
De 1 a 10: 9 puntos.

Puesto 8. "Playing the Angel" (2005) DEPECHE MODE


Las sirenas cantan bajo las aguas, mientras se van separando, un sonido extenso, expansivo abre paso al compendio de sonidos que esforzadamente crean con estilo una pictórica visión de una era, y rememorándola, volamos tiempo atrás para ejecutarnos las cabezas prendidas al festivo amasijo.
El sonido de una época, la marca indeleble de Depeche Mode en la música es ya imposible definirla; porque desvaría en una amplia paleta de mixturas, colores y sonidos. Por sobre todas las cosas, la banda de Dave Gahan y Martin Gore, es la revolucionaria máquina que abrió paso a todo lo conocido. Sin entrar en exageraciones, son la piedra fundacional de la electrónica, algo así como los Beatles del tecno. Y su sonido primitivo de sintetizadores y mezclas, que igualmente suenan contemporáneos, son la musa inspiradora de toda la bandada de pájaros expresionistas que hoy pasan discos y hacen extasiar a millones de irreverentes jóvenes en todo el globo.
“Playing the Angel” es un disco aggiornado a la estética actual pero que sigue manteniendo vivo el espíritu de Depeche Mode. Contiene, además, grandes canciones, bolicheras o no, son un grito oscuro, penetrante, de dulce contagio. Exclusivo para románticos (no lo que refiere al amor) y para los que admiran de artistas completos, innovadores.
De 1 a 10: 9 puntos.

Puesto 9. "Myths of the Near Future" (2007) KLAXONS


Como si fuese un antiguo libro abierto con indescifrables jeroglíficos, uno como explorador tiene que ir descubriendo los acertijos que va planteando Klaxons en su primer y extraordinario disco, “Myths of the Near Future”. Bajo un inclasificable estilo que abarca todo un verdadero muestrario de ritmos psicodélicos, electrónicos, punks; la banda londinense desata una rara mezcla de dance con una mística barroca y desprolija creando un ritmo único, abstracto, incierto. En este disco ponen a prueba los oídos de quien escucha a través de una selección de canciones, por catalogarlas de algún modo aleatorio, dando vida a un engendro desprolijo que se aprecia sonoramente por esa intención de comunicar ese arte sofisticado y placentero. Es una verdadera experiencia de mutación, bajo una intensa base de batería monocorde, ahuecada, y los intensos pases del bajo que marcan una melodía incandescente trazada a través de una línea progresiva que comparativamente tiene mucho de funk, pero sin olvidar su cercano parentesco con la música electrónica, pilar fundamental de su música.
Por otro lado, esa excelencia musical planteada por Klaxons en su primer obra, se ve reflejada a través de su lírica que va en perfecta sintonía y explica racionalmente la categorización de su música. Las raíces de estudiante de filosofía de Jamie Reynolds, frontman de la banda, se vislumbran a través del disco por su temática pura y exclusivamente filosófica. Desde los acertijos planteados musical y argumentalmente, hasta una mística funcional en la coherencia de los arreglos, melodías; hacen suponer a uno, como escucha, una suerte de misterioso viaje a través de los antiguos tiempos, en un descubrimiento con la música y con la historia universal.
De 1 a 10: 9 puntos.

Puesto 10. "The Warning" (2006) HOT CHIP


Subidos a una nave espacial, nos dirigimos en un periplo a través de las ondas, reverberaciones y silencios que nos ofrece Hot Chip en su esencial obra “The Warning”. Este periplo futurista nos hace apreciar con detenimiento este movimiento que viene agitando tierras para florecer entre tanto gris y árido suelo. Es el movimiento subterráneo de las vibraciones que nos muestra la banda a través de esta obra. Una maquinaria satisfacción, una colección de canciones que apelan a la emotividad pero también al desenfreno, desde una mezcla etérea creada por un coro de voces y por las bandejas del dúo de Dj´s. Este disco contiene verdaderos himnos, estandartes de este nuevo movimiento que provoca un sutil desenfado, un fertilizante aire. Desde un ritmo agobiante y repetitivo, pero no por eso agradable, las canciones contagian un sentimiento algo trillado de sensaciones humanas en post de un reconocimiento interno. Desde una letra emotiva, pero algo inocente, Hot Chip nos traslada de estados de ánimo con gráciles movimientos gracias a las variaciones de sus canciones. Pero hablando de himnos, de verdaderas sonatas emotivas no hay que dejar de escuchar “Colours”, “And I Was a Boy from School” y “Look After Me”.
Es un excelente disco, que nos traslada por una gran paleta de sentimientos que contagian a través de sus canciones de medio tempo, de variada rítmica.
De 1 a 10: 9 puntos.

Puesto 11. "De-Loused in the Comatorium" (2003) THE MARS VOLTA


Este es un disco que guillotina cabezas, las coloca en una cinta magnética, volcándolas a una especie de contenedor con dos grandes aspas que las sacuden en un estado de frenesí supra intenso.
Con una postura Zeppeliana sobre el escenario, la banda combina gritos animales y guitarras desprolijas, con una lírica que nos remite desde la cruda y lisérgica metáfora de Pink Floyd a la abstracción de Spinetta. Es globalmente una banda conceptual, una combinación de sonidos que sólo por catalogarlos caprichosamente tienen influencias en el rock sinfónico de Yes, Génesis o Rush.
En este disco debut de los chicanos Mars Volta uno puede descubrir y dejarse llevar por la mezcla cruda y visceral de sus ritmos, de su performance, manteniéndose siempre agazapado, expectante por sus repentinos giros musicales, por su variación de tiempos y espacios en los que se mueven a gusto y con gran displicencia. Desestructuradamente ambicioso, magnético y metafísico, es una gran obra para desconectar la cabeza del cuerpo y volar por el espacio.
De 1 a 10: 9 puntos.

Puesto 12. "Brazilian Girls" (2005) BRAZILIAN GIRLS


Es el glamour y la excelencia musical puestas en escena. Brazilian Girls nos sorprende en este disco por el alto vuelo creativo a partir de la selección de eclécticos sonidos que se van fusionando a través de la obra.
La obra comienza con un tango cantado en francés con una base chill-out que nos remite a los locales Bajo Fondo, en una simple muestra de la amplitud musical de la banda. Que va ratificando esta teoría a medida que escuchamos canción por canción. Es una perfecta conjunción de un vuelo creativo y artístico marcado por la búsqueda de elementos musicales que se ajustan a las necesidades requeridas. Desde la poética forma de sus canciones hasta el acompañamiento de una estructura sólida, se dan el lujo de combinar ritmos tan variados como inspiradores que van desde la bossa-nova, el jazz, la samba, el tango hasta la chanson francesa, entre otros, fusionados con el sello único de la banda, el chill-out. Su sonido innovador e inspirador nos remonta a un viaje a través de un sueño perfecto que combina ritmos eclécticos y una poesía sutil, que nos pasea por una atmósfera melódica, armoniosa. En este disco, los Brazilian Girls se dan el gusto de ponerle música a un poema de Pablo Neruda dándonos una muestra de su alto vuelo poético y musical. Recomendado para los intelectualoides de la nueva era.
De 1 a 10: 9 puntos.

Puesto 13. "12 segundos de oscuridad" (2006) JORGE DREXLER


Este es el disco donde por fin podemos ver la magnitud de este artista uruguayo que ha traspasado las fronteras gracias a su innovadora y conceptual música. Es, justamente “12 segundos de oscuridad” donde despliega con gran talento una paleta de verdaderos sonetos, de mágicas canciones, apuntaladas por lo magnético de su lírica, de su gran aptitud poética y como cantante.
Hacedor de canciones que transportan, generan ambientes y envolventes sonidos. Un disco donde apela a lo ecléctico de la música, a la tecla acertada de combinar su letra con un acompañamiento lógico y excepcional. Para hacer esto recurre a una extensa variedad de ritmos, de variada etnia, de variada intensidad, de variada clasificación.
Pero más allá de la música, lo sustancial es el Drexler poeta. Finas, transparentes, fuertes, calmas, doblegadas, tribales, complejas, armónicas, desesperantes, constructivas, reflexivas, andantes, su arte es eso, su letra imponente. Desde lo romántico hasta lo expansivo, desde lo crítico hasta lo filosófico, es lo que señala su prominente estructura literaria. Donde excava con profundidad, temáticas reflexivas, abordadas desde una locuacidad e inteligencia dignas de admirar. Un ejemplo de su profunda reflexividad y su continuo esparcimiento mundial es, “Disneylandia”, una verdadera oda a la antiglobalización, una crítica al trastrocamiento de roles que existe como sociedad global. Además, cabe destacar la versión de “High and Dry” de Radiohead, gauchesca, bien uruguaya, donde nos da una lección de cómo se hace música.
De 1 a 10: 9 puntos.

Puesto 14. "Lemonjelly.ky" (2000) LEMON JELLY


Puede sonar a la banda de sonido de una película de tinte psicológico. Puede sonar a música funcional de una sala odontológica. Puede sonar a música para ascensores. Puede sonar a música hecha para las aerolíneas. Puede sonar a muchas cosas, pero solo suena a Lemon Jelly.
Una original idea del multinstrumentista Nick Franglen y el DJ-Diseñador Gráfico, Fred Deakin, un dúo londinense de gran convocatoria en el submundo culto de la música electrónica.
Cuando uno se presta a escuchar un disco de Lemon Jelly, puede quedar dubitativo ante lo que se presenta. Sobretodo cuando vemos la variación de sus sonidos, que combinan una expresiva música digital con acartonadas grabaciones de antaño impresas sobre el vinilo. Esta innovadora propuesta les valió al dúo considerarse entre el selecto grupo que crea, ambienta y distribuye música para disfrutar con todos los sentidos. Desde sus conciertos en vivo, donde proliferan las imágenes que se van reproduciendo en perfecta sintonía con las canciones, hasta las relajantes y estimulantes sinfonías de sus discos, perfectas para escuchar en el sofá de casa, entre la acústica y la tecnología más feroz.
De rótulo IDM (intelligent dance music), combina una paleta de glamorosos, itinerantes y excelentes sonidos que resucitan el espíritu, entre el chillout, el house, lo experimental, el jazz. Lemon Jelly segrega algarabía en estado puro, optimismo, seducción.
“lemonjelly.ky” es una sucesión de imágenes en technicolor, climas elegantes, envolventes y refrescantes. Es una efímera aventura, una recreación de un mundo donde lo digital y lo orgánico se dan la mano para crear un estado puro de optimismo.
De 1 a 10: 9 puntos.

Puesto 15. "Narigón del Siglo" (2000) DIVIDIDOS


Escuchenló… Escuchenló… Escuchenló… La Aplanadora del Rocanrol es Divididos la puta que lo parió… Y podría estar así todo el tiempo. Ya lo habrán escuchado unas ciento cincuenta y seis mil veces, y lo bueno es que siempre se deja escuchar una vez más. “Narigón del Siglo” es el último gran disco de Divididos, ¿el mejor quizás? No sé. Pero lo cierto es que este disco es el resultado de lo mejor de Mollo, Arnedo y Araujo (se extraña). En el que combinan verdaderas destrezas musicales aceitadas con el virtuosismo y categoría que los caracteriza. Animándose a más, prueban fusionando ritmos, mucho más de lo que venían haciendo inclusive. De esta manera, tenemos el agrado de escuchar algunos reggae jazzeros, unas sutiles baladas con la impetuosa voz de Mollo y la incorporación de variados instrumentos que dan al disco un aroma más étnico, global. Cítaras, ukeleles, steal-drums, charangos y erkes se fusionan con el sonido enérgico y poderoso característico de Divididos, la aplastante mezcla de Jimi Hendrix, Atahualpa Yupanqui, Sumo y Parliament Funkadelic.
Quizás ese nivel de superioridad musical fue quien terminó abatiendo irremediablemente con las póstumas obras de la banda que luego de “Vengo del Placard de Otro” de 2002, no ha sacado un disco, presentando sólo a cuentagotas tres o cuatro temas nuevos.
Con la irreverente prosa de Arnedo-Mollo y la mezcla ecléctica que este disco contiene, convierten a “Narigón del Siglo” en el mejor disco argentino de la década.
De 1 a 10: 9 puntos.

Puesto 16. "The Back Room" (2005) EDITORS


Mundo espiral, lo superfluo del movimiento, vieja esencia, cruel, vital.
Parece un oscuro disco, que transmite solo negras vibraciones ininterrumpidamente. Sin embargo, al retomar la escucha del disco caemos en la cuenta de que es, simplemente, una colección irremediable de canciones que nos muestran una época, enmarcada en un determinado lugar, en un determinado paisaje, con determinados personajes, con un telón negro que cambia constantemente de actos, y se van fundiendo uno tras otro en degradé.
Es la extraña, neblinosa y febril Birmingham el escenario donde los relatos de Editors tienen cohesión. Los personajes, difusos, sin rostro, deambulan golpeándose unos con otros, atomizados, individuales. La banda de sonido a este trágico vodevil, “The Back Room”, un disco de ligera velocidad, de finas capas de acordes que se superponen, se encaminan y colisionan en una métrica definida a través de los oscuros túneles de la música británica.
Identificada con bandas como Joy Division, The Smiths o The Cure, pero con un sonido más ajustado al revival de nuestra era, es una hermosa concatenación de canciones de bruma, de espesas capas de corrosión lírica y melódica. Donde Tom Smith, líder de Editors, asume un rol protagónico gracias a su particular voz, oscuramente armónica.
En este disco debut, la banda despliega un repertorio de bellas canciones que tienen que ver unas con otras, como si fueran parte de una historieta y cada una de ellas fueran las viñetas de una historia que nos cautiva, nos sorprende y nos deja atónitos.
De 1 a 10: 9 puntos.

Puesto 17. "Franz Ferdinand" (2003) FRANZ FERDINAND


Poder en estado de ebullición constante, suciedad empaquetada en finos trajes, en clásicas melodías desprolijas. Esta banda escocesa nos entrega este increíble disco debut, bajo una sola y exclusiva premisa: diversión. El punto fuerte es el cambio de ritmo constante, penetrante, explosivo, mediado por un sonido parejo que coincide con la lógica estética de la banda. A niveles superlativos, estos cuatro músicos liderados por Alex Kapranos, despliegan talento a partir de una sólida manipulación de los instrumentos.
En una era pop, bailable, efímera, superficial, Franz Ferdinand redefinió este concepto aportándole a este estilo ciertas dosis de rock encrudecido por unos melodiosos arreglos de guitarra. Lo que hacen es emular un cierto estereotipo de banda cliché, perfeccionándola, con postura, creatividad y arraigo se mofan de esa realidad con sórdida vehemencia en el que trasciende la música y no la imagen.
En su primer disco se nota claramente el germen de una evolución que se fue dando con el correr del tiempo, perfeccionándola crearon una banda con sello distintivo. Pero, sin dudas, este es el disco de más impacto por la innovación musical y libertad creadora.
De 1 a 10: 9 puntos.

Puesto 18. "El evangelio según mi jardinero" (2006) MARTÍN BUSCAGLIA


Innovación. Un viaje alucinógeno dentro de la cabeza de un uruguayo que combina los sabores primitivos de la rica música de su tierra, con una mixtura de sonidos indescifrables que ofrecen una suerte de enigmas dispuestos a develarse por parte del espectador. En Buscaglia y su obra, ésta en particular, convergen una suerte de ecléctica selección que al enumerarlas parece desopilante que existiera algún puente en común. Pero al escuchar el disco, uno termina convenciéndose de que existe un fuerte lazo entre el candombe y Artaud, entre Bretón y Jaime Roos. Su poesía surrealista es enigmática, parece poco convincente, pero después de concluir el disco uno puede decir que esa rara mezcla que plantea Buscaglia acaba aniquilando al realismo que se defiende por estos lares.
Musicalmente, es la creación de un monstruo amorfo de cuatro cabezas que baila sobre una pata ritmos tan diferentes como el funk, el bluegrass, el candombe, el folk, la polka, el soul y el hip-hop; donde el artista se encarga acertadamente de darle una coherencia racional y lograr así que esta obra permanezca como una joyita de la música latinoamericana contemporánea.
De 1 a 10: 9 puntos.

Puesto 19. "In Your Honor" (2005) FOO FIGHTERS


Magnetismo puro, carisma, buenas canciones y una combinación de un disco doble que selecciona lo mejor de la banda en sus dos expresiones más claras: rock y acústico. Simplemente eso, ambiciosamente eso. Foo Fighters, el grito de rock rebelde nacido entre las cenizas de una filosofía muerta. Espantada a través del tiempo por un fantasma bucólico que deambula por sobre las cabezas de los sobrevivientes a esa década decadente.
Asumidas las responsabilidades, un Dave Grohl más centrado, maduro, congenia uno de los mejores discos de la banda: “In Your Honor”. Titulo puesto en clara referencia a Kurt Cobain y a partir de allí, todas las conclusiones y explicaciones posibles salen a la luz. Un disco más nirvanero en su primera parte, con una lírica emotiva en honor al amigo caído. Un poder magnético que surge a través de la excelente voz de Grohl y el excelente trabajo de cuatro músicos de contundente performance.
En su segunda parte, el disco se viene más nostálgico y sensible, donde sin dudas Dave es quien se luce, guitarra acústica en mano, pela voz y atrapa por la carga emotiva. Canciones pegadizas, algunas tristonas, otras playeras. Convierten a “In Your Honor” en un disco de cambiantes estados de ánimo, que acertadamente están disgregados para no prestar a confusiones. Es, una buena muestra de lo que Foo Fighters nos viene entregando a través de una década y media. Buenas líricas, buen acompañamiento y un Grohl impecable.
De 1 a 10: 9 puntos.

Bonus Track IV. "Dub Side of the Moon" (2003) EASY STAR ALL-STARS


En esta época han proliferado los discos tributo, las bandas tributo, que se han catalogado ha si en forma de homenaje, de reivindicación; como una excusa por la falta de originalidad o por la escasez de ideas musicales. Planteado esto, ha surgido un puñadito de bandas que bajo este mismo lema han tratado de profundizar más en la materia y buscando un nivel más de excelencia pusieron a disposición de la música, buenos aciertos.
Este es el caso de Easy Star All Stars un dream team del reggea jamaiquino que se ha reunido para “homenajear” a Pink Floyd, y lo han logrado de una manera superlativa. Para ello eligieron la obra más trascendental de la historia del rock, el disco “The Dark Side of the Moon” versionando todas las canciones al dub. Logrando así, una vuelta de tuerca a canciones que ya de por sí son verdaderas obras de arte, de excelente ejecución y conceptual filosofía.
En estas versiones, algunas realizadas con acertada ironía, despliegan un manojo de recursos estilísticos y musicales, que dan la impresión, por suerte, de desprenderse de las originales. Logrando así, canciones conmemorativas con originalidad, que no recaen en la copia exacta ni en la versión fácil.
Sin faltar el respeto, Easy Star All-Stars han hecho de una obra maestra un alternativo camino en busca de conocer e interpretar a Pink Floyd.
De 1 a 10: 7 puntos.

Puesto 20. "Mezmerize" (2005) SYSTEM OF A DOWN


Un grito de euforia, de revolución, de anti globalización, eso es “Mezmerize” de System of a Down. Un disco hecho a la medida de las necesidades musicales, es decir, cada canción parece obedecer a una necesidad caprichosa de quien escucha, a someterse a un estado puro de rendición. Algunas veces llega hasta aturdir, pero se presenta de manera tan sutil, orquestada por un cuarteto de grandes músicos, que parece no importar el grado de tensión que generan los acordes extremos de la guitarra y el golpe furioso del baterista, John Dolmayan. Porque después de eso, uno es consciente que viene la calma y luego de nuevo la explosión.
Este disco no es solo un collage de canciones rabiosas sino es también una rareza. Una combinación de un metal en estado puro de experimentación, la inclusión de grandes baladas y de ritmos étnicos (demostrando por demás su virtuosismo y raíces armenias).
Sin olvidar la premisa fundamental de esta banda, el canto de protesta.
Hay que estar preparado para escucharlo, pero después a contemplar y dejarse llevar por el poder extremo de SOAD.
De 1 a 10: 9 puntos.

Puesto 21. "Reveal" (2001) R.E.M.


Emotivo, perfecto, concluyente. De la mano de Michael Stipe, R.E.M. nos entrega en este decimosegundo trabajo un alto nivel de complejidad rítmica y poética. Tras un proceso de búsqueda musical extenso, diría que tuvieron que pasar cinco o seis discos de por medio, para que esta particular banda entregue al máximo un trabajo que desestima cualquier opinión de este simple narrador. Es un compendio de canciones elaboradas a través de la fina y punzante pluma de Stipe, acompañadas de un ecléctico telón que aportan una variada y mestiza casta de instrumentos. Influyentes o no, se despachan con verdaderos cánticos que apelan al corazón sensiblero, pero también a la reflexión subjetiva, a la introspección, dándole forma a ese momento referencial que contiene el mensaje de R.E.M.
Es “Reveal” una sucesión hiperactiva de buenas canciones, desde que abre con “The Lifting” hasta que cierra con “Beachball”, pasando por verdaderos himnos contemporáneos de la banda como “All the Way to Reno” y “Imitation of Life”, dos ejemplos de la amplitud sonora y del alto vuelo poético de Stipe.
De 1 a 10: 9 puntos.

Puesto 22. "El número imperfecto" (2004) CATUPECU MACHU


Sabrán disculpar mis diferencias con el “rock nacional”, una música de reiterada y cansadora impronta. Bandas que no difieren unas de otras, sustentadas en un rock viejo, pasado de moda, con letras que no contienen un vuelo poético digno de destacar. Y Catupecu Machu es la banda que, escapando de este patrón, nos entrega excelentes piezas musicales sustentadas a través de una banda poderosa, que mezcla influencias metaleras con un sonido que se podría identificar como un híbrido entre el hardcore y el funk, en donde sus canciones tienen un fuerte arraigo en bandas como Sumo, Soda Stéreo, Divididos y el gran Luis Alberto Spinetta.
Con una innovadora y enérgica visión, la banda liderada por Fernando Ruiz Díaz, trata y siempre con acierto, de doblegar esta postura de rock chabón argentino donde abundan las bandas de rock Stone, con letras que hablan de drogas, alcohol y rock por el rock en sí. Doblegando esta actitud, Catupecu, nos entrega canciones de alto contenido poético, casi filosófico, mezclando una variada gamma de sonidos que se superan disco tras disco. Este, sin dudas, refleja el crecimiento artístico y poético de la banda que convence con “El Número Imperfecto” que es la mejor banda de la actualidad, solventada a través de ese poder contagioso de su repertorio, con shows que bordan la excelencia donde protagonizan con una destacable determinación y se animan a ir siempre más allá de lo impuesto por la moda roquera de este país.
De 1 a 10: 9 puntos.

Puesto 23. "Talkie Walkie" (2005) AIR


Con sutil displicencia Air nos entrega esta obra que lleva a niveles extremos de confort utilizando los cánones entre lo audible y lo descartable. Es el cuarto disco del dúo francés, que si bien con este disco no llega a la excelencia musical conseguida en “Moon Safari” de 1998, es un amplio relevamiento por su música, por su mundo. Con sutiles pincelazos electrónicos logran combinar lo digital con las melódicas apariciones de las guitarras acústicas y piano. Su arte es sobretodo un recorrido placentero y saludable a través de leves sonidos, de silenciosos compases que, conjugados, dan estructura a canciones de fuerte arraigo poético, de romántica composición.
“Walkie Talkie” se lo podría catalogar como un disco conceptual, sobretodo al escucharlo linealmente, da la impresión de que ninguna pista fue puesta en ese lugar caprichosamente, sino que todas son el eslabón perfecto de una concatenación de canciones que se relacionan, se mixturan y se unen para dar vida a esta sutil obra. Cabe destacar, sobretodo la facilidad con que crean atmósferas, contextos placenteros, llevados a través de un agradable sonido donde también se lleva una gran ovación las canciones de tinte romántico, donde demuestran que los franceses en esa materia son altamente dotados. Mencionando, además, “Alpha Beta Gaga” donde hacen del arte de silbar una obra maestra.
De 1 a 10: 9 puntos.

Puesto 24. "Heathen Chemistry" (2002) OASIS


Desde el sonido envolvente, perturbador y embelesado que nos entregó Oasis en su “(What´s the Story) Morning Glory?” habían permanecido en alteraciones que conducían a ritmos sesgados por la repetitiva fórmula de la emulación a los fabulosos cuatro de Liverpool. Algunas descollantes apariciones, temas destacables y sonora aceptación del público. Pero llegó “Heathen Chemistry”. Un disco que marca la liberación de Oasis como banda a ese rótulo incalificable de Beatle clon. Es una reinvención que abre paso a canciones hermosas, extraídas con suma paciencia e inteligencia donde Noel Gallagher, el menos conocido de los hermanos, asume un protagonismo determinante en la creación de las obras musicales. Sin dejar de lado la mística de la banda, ese sonido impalpable de banda británica, que mantiene un trasfondo de glamorosa oscuridad, de rock and roll en estado puro de melancolía; Liam y Noel Gallagher le dan una vuelta de rosca a sus canciones volviéndolas más sinfónicas, más eléctricas, devorándose esa fina estampa de músico peinado y afeitado.
Esta apetecible obra musical nos regala bellas canciones, más humanizadas, donde no todo es el cuadrado compás del rock and roll primitivo. Es el más crudo ejemplar de esta banda insignia del rock contemporáneo.
De 1 a 10: 9 puntos.

Puesto 25. "Hot Fuss" (2004) THE KILLERS


Controversialmente The Killers es una banda que se debate por el tono musical de su impronta. Puede llamarse a la rima fácil y a la aplastante máquina productora de hits radiales, emulando lo mejor de grandes bandas. Lo cierto es que The Killers, al margen de cualquier aseveración que se pueda hacer, es una banda que combina lo mejor de una época y la ponen a disposición de canciones que podrían tomarse como soundtracks de la cotidianeidad. Verdaderos himnos que contagian por su potente sonido, mezcla de pop sintético y rock del post-punk. Acompañando de especial manera, la armoniosa voz de Brandon Flowers, que ha convertido a su manera de cantar en un ícono.
Si, son canciones de fácil contaminación. Si, son letras pegadizas que buscan un objetivo claro. Si, hacen música radial. Pero no por eso, y gracias a la conjunción de un todo: música, lírica y postura; son una de las bandas más convocantes y positivas del momento.
“Hot Fuss”, su disco debut, ha capitalizado en un puñado de canciones lo que The Killers tiene preparado para nosotros. Canciones como “Somebody Told Me”, Mr. Brightside” y “All These Things That I´ve Done”, se han convertido en verdaderos himnos de nuestra época, por la reiteración frenética en todos y cada uno de los medios, pero también porque contagian algo necesario para la juventud que busca divertirse. Un clima positivo, potente y armónico que invita al delirio, al grito mancomunado: “I´ve got soul but I´m not a soldier” repite el coro sin parar.
De 1 a 10: 9 puntos.

Puesto 26. "The Cosmic Game" (2005) THIEVERY CORPORATION


Psicodelia mediante, los paisajes se interconectan mustios, van pasando por los lados de nuestra cabeza susurrándonos al oído. El viento es ajeno al movimiento, pero se muta con las vibraciones de esta carrera. El juego cósmico, el verde paisaje incrustado en la galaxia. Nosotros transitamos como pequeños protoplasmas, construyendo un infinito mundo y trasvolamos a este viaje sideral donde todos somos lo mismo, todos somos materia.
Una visión cósmica nos es llevada a través de Thievery Corporation en su cuarto disco “The Cosmic Game”, un viaje intergaláctico en downtempo, en un collage infinito de sonidos confortables, exquisitos, soñadores. Inmersos en ese sueño, este dúo de DJ´s oriundos de Washington, mixturan estilos que desafían a los oídos, desde el dub, el acid jazz, música de la India y Bossa Nova, englobados bajo una estética lounge.
En “The Cosmic Game” aparece una gran variedad de artistas invitados que le ponen voz y talento a los ya excelentes climas que propone la banda. Tal es el caso de The Flaming Lips, David Byrne o Gigi Rezende, entre otros. Sobretodo en este disco, su trip-hop nos lleva a asimilar comparaciones con bandas como Tricky, Massive Attack, Portishead, Tosca.
A niveles superlativos, Thievery Corporation construye un muro musical impenetrable, de sólidos cimientos, donde compagina una música ecléctica, de selecta gamma, color y percepción, envainando con su cancionero una poderosa arma de captación auditiva y expresiva.
De 1 a 10: 9 puntos.

Puesto 27. "Superboxxx/The Love Below" (2003) OUTKAST


El quinto disco de este dúo de raperos yanquis es, ya desde su concepción, tremendamente ambicioso. En principio, es un disco doble que presenta en versión individual a Big Boi y André “André 3000” Benjamin, rescatando lo mejor de su esencia, de su estilo, exaltando lo que mejor sabe hacer cada uno por separado.
En el primer disco “Speakerboxxx” guiado por Big Boi, nos lleva a través de su rap meloso, con bases funky y corito repitente, desatando así esa mezcla de estilos hiphoperos en los cuales se basa la banda, dos formas de representación, dos formas de rapear que representan, en códigos “pandilleros” el West-Side y el East-Side. Lo cierto es que Antwan Patton, nombre de documento de Big Boi, desata toda su prosa hilarante, jocosa y presuntuosa, dándole forma a un ritmo cadencioso y ampuloso, que llega a extremos excitantes, candentes, invitando al “shake your buttie”.
El segundo disco, comandado por André Benjamin, es la apuesta fuerte en materia comercial. Con delicadeza, meten en una licuadora ritmos oriundos de su tierra para mezclarlos con melódicas canciones, que apuestan a un romanticismo sin límites, al sensiblerío fácil. Aún así, la fusión de funk, soul, pop, música electrónica, rock, jazz y, por momentos, blues. Está claro, es un disco que por su temática comercial apunta a canciones pegadizas, de fácil repetición, tal es el caso de “Hey ya”, que se ha convertido en una especie de himno en boliches caretas y ha recorrido el mundo, gracias a su ritmo sincopado e incomprensible.
Pero a la hora de la evaluación, viéndolo como un total este disco supera las expectativas previas, ambicioso y todo, es un disco donde se demuestra lo mejor de la música negra en todos sus matices.
De 1 a 10: 9 puntos.

Puesto 28. "Black Holes and Revelations" (2006) MUSE


Muse es ante todo una banda conceptual. Es la banda en la cual uno deposita confianza y por suerte, nunca decepciona. Esta banda inglesa de rock alternativo es una muestra de que el rock a veces se despierta de su inverno para despabilar mentes, apropiarse del cuerpo y dejar llevar a quien se lo proponga en un viaje estilísticamente profundo.
“Black Holes and Revelations”, su cuarto disco de estudio, sigue la tendencia marcada por su antecesor disco, “Absolution”, donde se fusiona un rock menos agresivo y oscuro, con bases que remiten a la música electrónica pero también a una siniestra mirada del mundo holocaustico a través de la representación de imágenes que transmite.
Matthew Bellamy el multifacético y genio creador de la banda se despacha con una soltura inconmensurable abordando desde las melodías y las letras una manifiesta mirada crítica del mundo, con una ideología marcadamente racional. Es hasta el momento, el disco de mayor éxito de la banda, que, aunque no fue tan bien recibido por sus seguidores porque se desprende de lo que Muse venía haciendo hasta el momento, gracias a un rock explosivo y caótico, es para mí una obra de arte musical. Por lo estructural de sus canciones, que remiten a una sinfonía, por lo conceptual de sus ideas, por la visión pesimista de un futuro que se acerca y atemoriza. Es una oscura crítica a una sociedad estupidizada por los medios, por la noticia sensacionalista, por el poder político y religioso.
Muse es la banda del futuro.
De 1 a 10: 8 puntos.

Puesto 29. "Yoshimi Battles the Pink Robots" (2002) THE FLAMING LIPS


Este disco rescata lo atrapante de esta innovadora y revolucionaria banda de Oklahoma. Es una pieza fundamental del pop psicodélico de esta era. The Flaming Lips es poco conocida en el mundillo musical pero cada álbum que lanzan al mercado son pequeños fragmentos de poesía, que acompañadas por su rictus escénico desopilante la convierten en una banda esencial de nuestra era. Sus performances psicodélicas, sus líricas espaciales y sus bizarras canciones inspiraron a más de uno, y sus influencias o puntos de comparación abarcan desde Beck, The Jesus and Mary Chain a Grateful Dead, entre otros. Esa composición de banda interestelar, se ve respaldada en cada uno de sus elaborados shows donde acompañan sus canciones con un despliegue escénico digno de ver. Disfraces, pelotas de colores, confetis, despliegue lumínico, proyecciones de video, entre otras, son parte de su atrapante maquinaria que le dan un argumento más que sólido a la elaboración y evolución de sus canciones.
Estos amigos freaks, liderados por el excepcional artista experimental Wayne Coyne que se dio el gusto de dirigir un film titulado “Christmas on Mars”, no hacen más que reafirmar que son un extraño y revolucionario concepto musical que combina el arte en todas sus expresiones, convirtiéndolos en algo excepcional.
“Yoshimi Battles the Pink Robots” es una sobrada muestra de lo que Flaming Lips representa e intenta transmitir a lo largo de su desafiante e inspiradora obra. Es un disco que no puede faltar en la discoteca de cualquier artista contemporáneo.
De 1 a 10: 8 puntos.

Puesto 30. "Dynamite" (2005) JAMIROQUAI


Los cowboys espaciales vuelven al ruedo con este disco, hasta ahora póstuma obra, con la fórmula que nos tienen acostumbrados. Una buena dosis de soul, funk, disco y acid jazz, a través del tamiz que la banda de Jason Kay le aporta a toda su obra. Esa rara mezcla de música pegajosa, sexy, animosa. Es, sin lugar a dudas, una marca registrada patentada por los propios músicos a través de toda su carrera. Esa sensación de dejarse llevar por los ritmos que contagian, haciendo mover nuestras cabezas inconscientemente, elevando nuestro cuerpo a un perpetuo movimiento.
En “Dynamite” se animan a dar una vuelta de tuerca a su música incorporando, o mejor dicho, dándole una participación más acentuada a los sintetizadores, a las bandejas. Sin dejar de lado los finos y sutiles arreglos de piano, batería y guitarra, pilares fundamentales de su música funky. Llevados a través de la armónica y cadenciosa voz de J.K., otra de las marcas registradas. “Dynamite” es una colección de canciones bailables, descontracturadas, melifluas, donde ponen al descubierto su fórmula mágica creadora de temas reconocibles por su sello único, indisoluble, inconmensurable.
De 1 a 10: 8 puntos.